ONE PIECE ROOM李政勳個展

自述談到我的工作方式，首先在畫布上畫出非常多的線條，透過兩個或三個顏色間的交叉重疊與錯置去建構整個視覺畫面，透過反覆、循環的貼膠帶、上色、拆膠帶，讓畫面留下的只剩下顏料，或者更精準的說，是身體的勞動與顏料的堆疊，這是時間的痕跡；在過程中的許多變因，包括：膠帶的材質、顏料的濃度、平塗的方向，甚至是氣候、濕度都會影響畫面的呈現；但也因為如此，讓每一件作品既獨一無二又極為有趣。 2008~09年間，我開始嘗試在畫面中加入一些幾何圖形，它們代表著我的情緒和想要訴說的話語。在畫面上加入的圖形，必須要有一定的距離與不同的觀看角度才看得出來不同的畫面。幾何圖形的意義對我而言是一個當下情緒的表達，是一種直覺式的發洩，很直接的透過畫面傳達出來。 2010年至今，我試圖整理並沉澱生活中諸多感受與情緒，讓自己專注於一個事件在我生活中產生的影響和記號，這個事件可能十分細微，十分隱晦，但它卻成為我的世界中那「微不足道小事的光采」，透過所有的感官，全心全意的觀察、反覆思考，從而感受、理解這個事件，並將產生的感知化為作品，此時原本存在作品中的符碼，有了大小的變化，除了讓觀者更注意到那些由線構成的面(符碼)之外，我更試著在極大處將它破碎、不規則。而在畫面的組成上，我嘗試突破畫布的限制，以顏料做成的突起物介入畫面的平衡中，讓畫面有了立體的構成，並以跳脫整個畫面的顏色加於突出物上；如果說色彩承載了精神與情緒的重量，在這個意義下，顏色在我的整個畫面中從鮮豔轉變為更深沉、複雜的視覺總和，也代表著不斷疊加的情感厚度。致敬在藝術的道路上有許多影響著我的前輩，他們的作品總讓我感動，也促使我思考創作是怎麼樣的一回事。透過這個展覽，藉由這四位藝術家的作品展出，我想向他們致敬！莊普老師的作品，讓我認識了關於繪畫與身體的關係；洪藝真老師的作品，使我重新思考媒材的運用以及對於畫框、畫布、顏料與繪畫的表面之間的關係；袁廣鳴老師透過大量重複的動作，創作出奇異而靜謐的無人場景，讓我見到在創作上那不可見行動之意義，最後，一直以來，作為良師的連德誠老師，即使很多時候我也不太明白老師作品中，圖像間的比對與並置的幽默到底指涉甚麼，然而他日常中的言談與教導卻影響我的觀念與創作思維甚深。在這些前輩的影響下，我試圖用我的作品去開創一個新的可能，以看似機械化的勞動不斷堆疊顏料，讓線條構成一個又一個的「面」，又在這些看似大同小異的「面」上，以突出物帶出另外一個視野。透過繪畫的歷程，我將生活所感受到的一切濃縮於畫面之中。我承襲著藝術的道路，但試圖踏出自己的一段旅程。Young but powerful , I hope ! 上一檔ONE PIECE ROOM李錫奇個展下一檔ONE PIECE ROOM吳天章個展

李政勳

李政勳Li Cheng Hsun 1985出生於臺北市 2008 國立台北教育大學藝術與造型設計學系畢業 2009 國立台北教育大學藝術與造型設計研究所藝術創作組就讀中個展 2011 《抽象中的理性與感性》雙個展，一畫廊，臺北 2010 《那些，妳教我的事》，黑白切藝文空間，臺中《GEISAI TAIWAN#2》，華山藝文園區，臺北 2009 《GEISAI#12》，東京Big Sight 東HALL，日本《GEISAI TAIWAN》，華山藝文園區，臺北 2008 《220*60*5*5=130*130*5*10=30*15*5*10*6》，國立臺北教育大學防空洞藝廊，臺北 2007 《Post Hyper Reality》，國立臺北教育大學藝術館，臺北 2006 《the code》，國立臺北教育大學藝術館，臺北聯展 2011 《i.t我題巴西X台灣新秀交流展》，金車藝文中心，臺北 2010 《青春出擊》，台灣藝術大學畫廊，臺北 2009 《7個大師的童年》，國立臺北教育大學藝術館，臺北《090309六人聯展》，彰化師範大學「厚!花園」展覽空間，彰化《移動人》，南海藝廊，臺北 2006 《inter納遜諾―師大與國立臺北教育大學交流展》，師大美術系館，臺北作品典藏： 2010國立臺灣美術館獲獎： 2010GEISAI TAIWAN#2佐藤可士和評審個人獎

李政勳

李政勳Li Cheng Hsun 1985出生於臺北市 2008 國立台北教育大學藝術與造型設計學系畢業 2009 國立台北教育大學藝術與造型設計研究所藝術創作組就讀中個展 2011 《抽象中的理性與感性》雙個展，一畫廊，臺北 2010 《那些，妳教我的事》，黑白切藝文空間，臺中《GEISAI TAIWAN#2》，華山藝文園區，臺北 2009 《GEISAI#12》，東京Big Sight 東HALL，日本《GEISAI TAIWAN》，華山藝文園區，臺北 2008 《220*60*5*5=130*130*5*10=30*15*5*10*6》，國立臺北教育大學防空洞藝廊，臺北 2007 《Post Hyper Reality》，國立臺北教育大學藝術館，臺北 2006 《the code》，國立臺北教育大學藝術館，臺北聯展 2011 《i.t我題巴西X台灣新秀交流展》，金車藝文中心，臺北 2010 《青春出擊》，台灣藝術大學畫廊，臺北 2009 《7個大師的童年》，國立臺北教育大學藝術館，臺北《090309六人聯展》，彰化師範大學「厚!花園」展覽空間，彰化《移動人》，南海藝廊，臺北 2006 《inter納遜諾―師大與國立臺北教育大學交流展》，師大美術系館，臺北作品典藏： 2010國立臺灣美術館獲獎： 2010GEISAI TAIWAN#2佐藤可士和評審個人獎

相關專文

生命中不斷交錯的心靈光纖李政勳繪畫中的視覺編碼撰文／王咏琳塞尚曾極力追求不存在的線條，著迷在各種形狀的和諧間，而德勒茲曾在評論畫家培根的著作中提及抽象畫的功能，認為抽象畫為我們帶來一種節制、一種精神性的拯救，之中有股透過強烈的精神力超越於形象化數據之上；同時，抽象畫將混沌轉化為一條人們要跨越的簡單溪流，是發現抽象跟符旨的形式。他以蒙德利安為例，其筆下的方框帶觀者走出了固有形象，跳出混沌，抽象形式並不需要手的元素或是任何觸覺相關的元素，所謂抽象形式便是透過張力，才真正與那些純幾何的形式區分開來，而張力即是描繪形式，與那隱藏在畫作背後，畫家手的運動，這個隱形的動作是被提昇到視覺層次上的，其使成為完全視覺性的轉變。另外，按照康丁斯基的「垂直線—白色—運動」，「水平線—黑色—停滯」原理，去建立一種象徵編碼的規則，也就是表示，我們要怎麼讓編碼來回答今日的繪畫問題？要怎麼讓事物可以將人從外在世界的嘈雜中解放出來？結論便是重新賦予它一個純粹的視覺空間。　年輕藝術家李政勳關心的是線條停止在稍縱即逝的某個瞬間。作品乍看討好並具有高度的裝飾性質，且在視覺上提供了單純的愉悅，可卻有著非常繁瑣的製作過程。其一，他必須在畫布上畫下非常多的線條，透過兩個或三個顏色間的交叉重疊與錯置去產生視覺效果，而在過程中其實有許多的變因，比如膠帶的材質、顏料的濃度、平塗的方向，甚至是天氣都會影響畫面的呈現。再者，李政勳的作品中，看不到個人的筆觸——下筆是先透過模具處理才呈現，這些利用器具繁複塗製的線條，任何兩個端點間的距離，都代表著畫家的記憶，用晦澀的語言敘述著，卻比真實的模型還真實。除了將視覺外在形式完全編碼化，也由於畫家必須一步步、一層層地順著時間面去運作，因此可以說連創作的形式都是被編碼化了，而其畫作中的色彩也在這一串串機械的編碼中，獲得了獨立的形式。此外，人們對於線性的想像，似乎就如同伊東豊雄 1991年的展覽「未來的東京」，或是在許多好萊塢電影中出現的危險交錯防盜紅外線，我們會直覺地面臨的問題如：「在這個偌大的網絡中感覺渺小。」、「人要如何穿越其中？」、「人要如何遵循序列找尋源頭？」　李政勳畫中的線條，就像是人們心靈的光線，它創造出無數的維度，層層堆疊也層層剝除，最後會發現本處無一物的簡單，任何事物皆像是不存在一般。雖然，無論幾度空間的存在，對我們的物理感官上來說，都是難以感知的；但在想像中，觀看這種機械主義才能製造出來的空間向度，一方面我們投射的是對於未來的想像，對科技的解釋，另外一方面，它擾亂了我們對於物理形體能夠觀察到的界限，某種距離就在觀看當中被取消，與畫家的精神分離，這些難解符碼阻止我們對繪畫本身進行解讀。如果說視覺連結到聲音，他的作品會讓我們彷彿聽見運算的聲音，而我們唯一可以正面感受到的可能只有顏色，顏色承載了這位畫家所有的精神重量，在他的作品前，觀視者的門檻被取消，我們不再需要去解讀形式，因為每個人看見的都可以是不一樣的事物，我們被拉近藝術家所構築出的網絡中，其中沒有清楚的邊界，所有數據相互滲透、融合、推動、排除，它是個一直在運作的系統，我們在其中成為了一個節點，連接自己也連結他人。　在視覺表現上，這些畫作有同樣的特徵，卻在每個人心中以不同的概念組成，不只接管了線條就是用以表現物體外形這樣固定的意義，還將畫家自己的意識型態從外在顯然的在形式上產生分離；也就是說，觀者很難藉著直觀就輕易了解藝術家欲表達之意。反過來，他是利用這些符碼的配置去拆解意義、交錯，去延伸無限，而我們觀看到的卻是形式的補充物，這些機械式的基本元素似乎要拆解的是畫家還有觀者的自我。對此，藝術家表示：「如果說創作者是透過作品去跟這個社會相處，那麼對我而言，創作就是生活的感受與情緒；如果一件微不足道的小事，如同線條或是顏色，卻能全心全意地去觀察它、思考它。對我來說，顏色，一直都是傳達情緒最直接的方法，而從 2008年開始，我試圖用符號以外的圖形去介入畫作本身，讓畫面有了立體的構成。」有趣的是，若將其畫作中的色彩當做基本的數據，深色做為 0，淺色做為 1，時間序列的內外也可以看作 0與1，線條的垂直和平行皆可以視為 0與1，當我們生活中的事件和情緒皆被這麼多看似理性的符碼編排之時，就好似每個人的人生事件都被有系統地歸類和運算，只是在不同時間和場所發生，會出現超過資訊運算公式外的變相。　而在李政勳 2010年以來的作品中，如〈 The violent blue〉，〈 You are so chic, so sexy〉、〈恐懼的總和〉等，我們可以看見原先機械式的亂碼圖象上，總會出現一個幾何形狀的色塊，藝術家笑稱此元素為其心境上的轉變，就像是在日常的生活中出現，而後改變一切的某個變化，這個具有影響力的轉折也如實地呈現在他的作品上。　若說藝術作品有其自身材料的意識型態，那其的確可以單藉由色彩來運作，而成一個新形式。在這個意義下，李政勳用顏料和直線所構成的符碼為我們描述了一個新的世界——它是極度理性、非敘事的，不指向任何一種意義，也讓我們闖入超越視覺連結外的作用。如同培根認為圖形表的操作，其功能就是暗示，他也藉由這樣抽象的編碼來敘述人生問題，將資料做了機械式的編排，以此去再現各式各樣的議題和生活經驗，在他的作品中，任何物體皆是不存在的或不可辨認的，雖讓這些作品看來晦澀難解，卻用各種色彩的對比與深淺的組合表達了來自日常的溫暖，站在它們的面前，我們會自然地將自我置入這些顏料與線條創造出來的數碼系統，它讓你迷惑卻又難以將視線移開，最後我們發現，在這樣的觀視中，只有自己是與自己相對。《藝術家雜誌》426期，p.245-p.247

相關專文

生命中不斷交錯的心靈光纖李政勳繪畫中的視覺編碼撰文／王咏琳塞尚曾極力追求不存在的線條，著迷在各種形狀的和諧間，而德勒茲曾在評論畫家培根的著作中提及抽象畫的功能，認為抽象畫為我們帶來一種節制、一種精神性的拯救，之中有股透過強烈的精神力超越於形象化數據之上；同時，抽象畫將混沌轉化為一條人們要跨越的簡單溪流，是發現抽象跟符旨的形式。他以蒙德利安為例，其筆下的方框帶觀者走出了固有形象，跳出混沌，抽象形式並不需要手的元素或是任何觸覺相關的元素，所謂抽象形式便是透過張力，才真正與那些純幾何的形式區分開來，而張力即是描繪形式，與那隱藏在畫作背後，畫家手的運動，這個隱形的動作是被提昇到視覺層次上的，其使成為完全視覺性的轉變。另外，按照康丁斯基的「垂直線—白色—運動」，「水平線—黑色—停滯」原理，去建立一種象徵編碼的規則，也就是表示，我們要怎麼讓編碼來回答今日的繪畫問題？要怎麼讓事物可以將人從外在世界的嘈雜中解放出來？結論便是重新賦予它一個純粹的視覺空間。　年輕藝術家李政勳關心的是線條停止在稍縱即逝的某個瞬間。作品乍看討好並具有高度的裝飾性質，且在視覺上提供了單純的愉悅，可卻有著非常繁瑣的製作過程。其一，他必須在畫布上畫下非常多的線條，透過兩個或三個顏色間的交叉重疊與錯置去產生視覺效果，而在過程中其實有許多的變因，比如膠帶的材質、顏料的濃度、平塗的方向，甚至是天氣都會影響畫面的呈現。再者，李政勳的作品中，看不到個人的筆觸——下筆是先透過模具處理才呈現，這些利用器具繁複塗製的線條，任何兩個端點間的距離，都代表著畫家的記憶，用晦澀的語言敘述著，卻比真實的模型還真實。除了將視覺外在形式完全編碼化，也由於畫家必須一步步、一層層地順著時間面去運作，因此可以說連創作的形式都是被編碼化了，而其畫作中的色彩也在這一串串機械的編碼中，獲得了獨立的形式。此外，人們對於線性的想像，似乎就如同伊東豊雄 1991年的展覽「未來的東京」，或是在許多好萊塢電影中出現的危險交錯防盜紅外線，我們會直覺地面臨的問題如：「在這個偌大的網絡中感覺渺小。」、「人要如何穿越其中？」、「人要如何遵循序列找尋源頭？」　李政勳畫中的線條，就像是人們心靈的光線，它創造出無數的維度，層層堆疊也層層剝除，最後會發現本處無一物的簡單，任何事物皆像是不存在一般。雖然，無論幾度空間的存在，對我們的物理感官上來說，都是難以感知的；但在想像中，觀看這種機械主義才能製造出來的空間向度，一方面我們投射的是對於未來的想像，對科技的解釋，另外一方面，它擾亂了我們對於物理形體能夠觀察到的界限，某種距離就在觀看當中被取消，與畫家的精神分離，這些難解符碼阻止我們對繪畫本身進行解讀。如果說視覺連結到聲音，他的作品會讓我們彷彿聽見運算的聲音，而我們唯一可以正面感受到的可能只有顏色，顏色承載了這位畫家所有的精神重量，在他的作品前，觀視者的門檻被取消，我們不再需要去解讀形式，因為每個人看見的都可以是不一樣的事物，我們被拉近藝術家所構築出的網絡中，其中沒有清楚的邊界，所有數據相互滲透、融合、推動、排除，它是個一直在運作的系統，我們在其中成為了一個節點，連接自己也連結他人。　在視覺表現上，這些畫作有同樣的特徵，卻在每個人心中以不同的概念組成，不只接管了線條就是用以表現物體外形這樣固定的意義，還將畫家自己的意識型態從外在顯然的在形式上產生分離；也就是說，觀者很難藉著直觀就輕易了解藝術家欲表達之意。反過來，他是利用這些符碼的配置去拆解意義、交錯，去延伸無限，而我們觀看到的卻是形式的補充物，這些機械式的基本元素似乎要拆解的是畫家還有觀者的自我。對此，藝術家表示：「如果說創作者是透過作品去跟這個社會相處，那麼對我而言，創作就是生活的感受與情緒；如果一件微不足道的小事，如同線條或是顏色，卻能全心全意地去觀察它、思考它。對我來說，顏色，一直都是傳達情緒最直接的方法，而從 2008年開始，我試圖用符號以外的圖形去介入畫作本身，讓畫面有了立體的構成。」有趣的是，若將其畫作中的色彩當做基本的數據，深色做為 0，淺色做為 1，時間序列的內外也可以看作 0與1，線條的垂直和平行皆可以視為 0與1，當我們生活中的事件和情緒皆被這麼多看似理性的符碼編排之時，就好似每個人的人生事件都被有系統地歸類和運算，只是在不同時間和場所發生，會出現超過資訊運算公式外的變相。　而在李政勳 2010年以來的作品中，如〈 The violent blue〉，〈 You are so chic, so sexy〉、〈恐懼的總和〉等，我們可以看見原先機械式的亂碼圖象上，總會出現一個幾何形狀的色塊，藝術家笑稱此元素為其心境上的轉變，就像是在日常的生活中出現，而後改變一切的某個變化，這個具有影響力的轉折也如實地呈現在他的作品上。　若說藝術作品有其自身材料的意識型態，那其的確可以單藉由色彩來運作，而成一個新形式。在這個意義下，李政勳用顏料和直線所構成的符碼為我們描述了一個新的世界——它是極度理性、非敘事的，不指向任何一種意義，也讓我們闖入超越視覺連結外的作用。如同培根認為圖形表的操作，其功能就是暗示，他也藉由這樣抽象的編碼來敘述人生問題，將資料做了機械式的編排，以此去再現各式各樣的議題和生活經驗，在他的作品中，任何物體皆是不存在的或不可辨認的，雖讓這些作品看來晦澀難解，卻用各種色彩的對比與深淺的組合表達了來自日常的溫暖，站在它們的面前，我們會自然地將自我置入這些顏料與線條創造出來的數碼系統，它讓你迷惑卻又難以將視線移開，最後我們發現，在這樣的觀視中，只有自己是與自己相對。《藝術家雜誌》426期，p.245-p.247

作品